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Threshold is Analisa Teachworth’s first solo exhibition at Zaza’ Milan. The artist presents two morphologically dissimilar bodies of work: an ongoing series of large-scale, encaustic wax paintings enclosing layered, liquid, at times cavernous horizons and a fragment from a set of free-standing, intentionally damaged glass sculptures. The works, both broad and deep, perimeter the space and surround the visitor physically while suggesting other spatial and perceptive sways that lie at the thresholds between observation and imagination.

See, perhaps, a row of milky satellites, a caving storm, a hill or a valley, a ravine, or something more alive, what do you hear? An encounter with these works evokes as many different images, sounds, emotions, or memories as there are viewers, whether or not we can grasp the possibility and depth of all these perceptive folds and fields—which are the artist’s interior, yet connected to the world.

Wax, as a material, is a by-product generated by the vital activity of bees. In Gaston Bachelard’s philosophy of imagination, “works of art are the by-products of [the] existentialism of imagining beings”; the “real product” is a widening of consciousness and, one might add, an acknowledgment that reality and fiction are not diametrically opposed. There are things that exist within the stuff of matter itself—and because of it—which we might not immediately perceive.

Glass, glassine, glasshouse, glassily, shards of glass, fragments. Think for a moment about all the ways in which this transmutable material is employed benevolently and nefariously. Think about fragility and what may have been done to it, accidentally or on purpose, once it was erected to protect, distance, or affect what lies on either side of it.

The four paintings and glass sculpture, a fragment of Alter 1, but more specifically, the paintings - Feed, Fall from Us, and dyptic Filter 1 & 2, bring about questions on the origins of and associations we make with abstraction and its expressive intentions or reverberations. Painting with living matter means indulging in the vitality of aliveness and engaging in a conversation that is larger than art. Teachworth’s explicit reverie for the holistic simultaneously expands and breaks apart worlds. The material grammar of her form of abstraction reflects a meditative rather than formal relationship to aesthetics, suggesting boundlessness.

A physical threshold is usually understood as a visible and, therefore, “transparent” marker of separation. It also denotes a limit beyond which one cannot proceed without shifting into a different stage or form. It is at once limit and potential, depending on how it is deployed. The liminal sits on either side of a threshold, cutting through time and space and cracking hegemonic understandings of where truth lies. Teachworth’s experimentations with matter flow from a narrative logic that invites the viewer into a spatiality that rejects extractive forms of categorization and fracture. Rather, they embrace the interconnected architectural profoundness of matter and beings and the active energies these can generate when they are not contained.

Chiara Siravo

ITA

Threshold è la prima mostra personale di Analisa Teachworth presso Zaza’ Milano. L’artista presenta due corpi di lavoro morfologicamente dissimili: una serie di dipinti su larga scala in cera encaustica, che racchiudono orizzonti stratificati, liquidi, a tratti cavernosi, e un frammento di una serie di sculture in vetro autoportanti, intenzionalmente danneggiate. Le opere, ampie e profonde al tempo stesso, perimetrano lo spazio e circondano fisicamente il visitatore, suggerendo al contempo altre oscillazioni spaziali e percettive che si collocano sulla soglia tra osservazione e immaginazione.

Vedi, forse, una fila di satelliti lattiginosi, una tempesta che si ritrae, una collina o una valle, un burrone, o qualcosa di più vivo; cosa senti?

La cera, come materiale, è un sottoprodotto generato dall’attività vitale delle api. Nella filosofia dell’immaginazione di Gaston Bachelard, “le opere d’arte sono i sottoprodotti dell’esistenzialismo degli esseri immaginanti”; il “vero prodotto” è un ampliamento della coscienza e, si potrebbe aggiungere, il riconoscimento che realtà e finzione non sono diametralmente opposte.

Vetro, vetrina,vetrata, vetrinetta, vetroso, schegge di vetro, frammenti. Pensa per un momento a tutti i modi in cui questo materiale mutevole è stato impiegato con intenzioni benevole o nefaste. Pensa alla fragilità e a ciò che potrebbe essere stato fatto ad esso, accidentalmente o intenzionalmente, una volta che è stato eretto per proteggere, distanziare o influenzare ciò che si trova da un lato, o dall’altro.

I quattro dipinti e la scultura in vetro - un frammento di Alter 1, ma più specificamente i dipinti, Feed, Fall from Us, e Dyptic Filter 1 & 2 - sollevano domande sulle origini e le associazioni che facciamo con l’astrazione, con le sue intenzioni o risonanze espressive. Dipingere con materia viva significa indulgere nella vitalità dell’essere e impegnarsi in un dialogo che è più grande dell’arte che fa riferimento all’arte. La rêverie esplicita di Teachworth per l’olismo espande e spezza contemporaneamente mondi. La grammatica materiale della sua forma di astrazione riflette una relazione meditativa piuttosto che formale con l’estetica, suggerendo sconfinatezza.

Una soglia (threshold) fisica è solitamente intesa come un segno visibile e, quindi, “trasparente”, di separazione. Denota anche un limite oltre il quale non si può procedere senza transitare in una fase o forma differente. È al tempo stesso limite e potenziale, a seconda di come viene impiegata. Il liminale si trova su entrambi I lati di una soglia, tagliando il tempo e lo spazio e incrinando le comprensioni egemoniche su dove risieda la verità. Le sperimentazioni di Teachworth con la materia derivano da una logica narrativa che invita la spettatrice in una spazialità che rifiuta le forme estrattive di categorizzazione e frattura. Piuttosto, abbracciano la profondità architettonica interconnessa della materia e degli esseri, oltreché le energie attive che queste possono generare quando non sono contenute.

Chiara Siravio

Photo: Agnese Bedini